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STAGE MUSIQUE-MONTAGNE 2010
Gloria de Vivaldi, RV 589 Jephte de Carissimi Carissimi est né à Marino, dans la région romaine en 1605. On ignore tout de sa formation qui doit évidemment avoir été faite dans la tradition de la polyphonie qu’il pratiquera encore avec succès. En 1624, il est chantre à Tivoli, dès 1628, maître de chapelle de la cathédrale d’Assise, et en 1630, maître de chapelle de l’église Saint-Apollinaire à Rome. À cette église des Jésuites est attaché le Collegium Germanicum, institution qui accueillait les jeunes artistes étrangers qui venaient compléter leur formation dans la cité pontificale. C’est là que virent le jour les premiers oratorios. À l’origine, ces oratorios étaient conçus comme des intermèdes insérés entre les parties des grandes prédications de la Semaine Sainte. Les sujets étaient empruntés aux Saintes Écritures (Ancien, puis aussi Nouveau Testament) et choisis selon les valeurs morales qu’ils pouvaient illustrer. Le langage est celui de l’opéra avec ses récitatifs dramatiques, ses airs émouvants, ses scènes de caractère. Jephté est sans conteste l’un des oratorios les plus parfaits de Carissimi. Général israélite, Jephté avait promis à Dieu de sacrifier la première personne qu’il rencontrerait à son retour, s’il revenait victorieux des Ammonites. Le début de l’oratorio illustre les combats. Les Ammonites sont vaincus et Jephté rentre victorieux. C’est sa fille qui l’accueille avec enthousiasme. Jephté est contraint d’annoncer à sa fille le serment qui le lie à Dieu. Celle-ci accepte le sort qui lui est destiné. Son chant est l’un des plus beaux lamentos de l’époque baroque. C’est le choeur qui conclut l’oratorio, amplifiant le sentiment d’abnégation et de tristesse qui avait envahi le chant de la fille de Jephté. Jephté, fils de Galaad et d'une prostituée, est une figure biblique, remarquée par l'auteur du Livre de Samuel. Il y apparaît comme bon serviteur de Dieu et comme libérateur de son peuple au même titre que Samuel lui-même: «Et Yhwh a envoyé Yeroubaal, Bedân, Jephté et Samuel. Il vous a délivré de vos ennemis alentour, vous étiez en sécurité.» (1 Samuel, 12, 11). Or, fidèle à son serment envers Dieu, Jepthé se crut obligé de sacrifier sa fille, son enfant unique, après sa victoire sur les Ammonites. L'histoire de Jephté a inspiré non seulement les auteurs de la Bible, mais aussi les écrivains, les dramaturges et les artistes.
Le récit biblique (Juges, 11)
Antonio Vivaldi (1678-1741) GLORIA en ré Majeur R.V. 589 (vers 1713) Antonio Lucio Vivaldi (4 mars 1678, Venise - 28 juillet 1741, Vienne) est un compositeur italien, l'un des principaux compositeurs de la période baroque. Issu d'une famille nombreuse, Antonio Vivaldi naît le jour d'un tremblement de terre. De constitution malingre, il manqua de mourir au berceau et fut baptisé en urgence le jour de sa naissance, par la sage-femme elle-même. Son père, barbier mais aussi violoniste talentueux à la basilique Saint-Marc, l'a aidé à entamer une carrière musicale et l'a fait entrer dans l'orchestre de la Cappella di San Marco, où il fut un violoniste apprécié. Il souffrait d'asthme ce qui poussa son père à le destiner à la prêtrise. Tonsuré en 1693, il devint prêtre en 1703. Il était surnommé le « prêtre roux » en raison de ses cheveux blond vénitien. Dès 1704, il fut suspendu de ses fonctions et obligations pour raisons médicales ce qui lui permit de se consacrer entièrement à la musique. Il fut aussi ainsi maître de violon à l'Ospedale della Pietà, un hospice où il enseignait à des orphelines ; cet orchestre de filles était à l'époque unique au monde et attirait beaucoup d'étrangers riches. Il travaillait aussi comme impresario pour le théâtre Sant'Angelo de Venise s'occupant des contrats et des traites. Très vite, il connut la gloire et la renommée, et devint une des premières véritables étoiles de la musique. Souvent accompagné de nombreuses jeunes filles, il fait jaser. Il bradait ses manuscrits pour le prix d'un ducat le concerto. Il vécut sa vieillesse dans la pauvreté et fut enterré par le service des pauvres de l'hôpital. Après sa mort, son œuvre tomba dans l'oubli et fut redécouverte à partir de 1913 suite aux travaux du musicologue Marc Pincherle. Ses œuvres furent rééditées à partir des années 1950.
Né à Venise en mars 1678 et mort à Vienne en juillet 1741, Vivaldi est connu sous le surnom de "prêtre roux". Sa chevelure flamboyante et son ordination justifient en effet celui-ci. En 1703, Vivaldi devient "maître de violon" au sein de l'Ospedale della Pietà, fondation religieuse de grande renommée consacrée à l'éducation - essentiellement musicale - des jeunes filles sans soutien familial. Cet établissement constitue pour Vivaldi un lieu d'expérimentations d'écriture, tant pour ses concertos que pour ses oeuvres sacrées, car c'est un véritable viver d'instrumentistes et de chanteuses d'un excellent niveau musical. Le compositeur travaillera presque toute sa vie - avec différents statuts - dans cette intitution de jeunes filles, ce qui ne l'empêchera pas d'obtenir de nombreux congés pour se consacrer à sa carrière théâtrale (l'opéra) et voyager. Sa réputation sera immense de son vivant, surtout comme violoniste.
Compositeur prolixe, on compte parmi
ses œuvres :
GLORIA en ré Majeur R.V. 589 (vers 1713) Formation :
Description :Premiers versets du Gloria : la partie s'adressant au Père. C'est un chant de louange à la Sainte Trinité qui énumère les qualités des trois personnes divines. Le Gloria in excelsis est une hymne dont les premières paroles reprennent le chant des anges à Bethléem (Lc 2,14), avec une légère variation sur « au plus haut » : la Vulgate emploie le terme altissimis (sens physique ou géographique) et non excelsis (suprême) comme le fait le Gloria.Le reste de l'hymne a été écrite pour en faire une doxologie complète : chaque personne de la Trinité y est citée. La mention du Saint-Esprit y est à vrai dire très courte, et d'un ajout tardif : à l'origine le chant était plutôt construit comme une litanie invoquant le Christ.Les versets suivent un rythme parallèle, beaucoup plus manifeste en grec, où l'on a par exemple : Kyrie basileu epouranie, Thee pater pantokrator HistoriqueC'était à l'origine prière des laudes, composée en grec par l'Église d'Orient (où une version plus tardive du VIesiècle est encore en usage). La version latine reprend le texte grec d'origine, en ajoutant « Tu solus altissimus » et « Cum sancto Spiritu ». Le texte grec était plus long, et continuait par « je te louerai chaque jour, et glorifierai ton nom à jamais », suivit d'une dizaine de versets tirés des Psaumes, avant de s'achever par le Trisagion (qui a donné le texte du Sanctus) et la doxologie finale.Le Gloria fut introduit dans la messe de la nuit de Noël au IIe siècle, par le pape Télesphore. Il fut ensuite étendu, entre le VIe et le VIIIe notamment par Symmaque à d'autres messes dont la fête de la sainte Trinité, mais uniquement si le pape ou un évêque la célébrait. Puis, à partir du XIIe siècle, son emploi est généralisé à tous les prêtres pour tous les dimanche et fêtes, à l'exception des dimanches de l'Avent et du Carême.Emploi liturgiqueQuand il doit être chanté, le Gloria prend place après le Kyrie, juste avant la prière d'ouverture, ou Collecte. Actuellement, dans l'église catholique romaine, le Gloria se dit aux messes de solennité et de fête (même pendant l'avent et le carême), et aux Dimanches en dehors de l'Avent et du Carême.Il n'est en principe pas chanté pendant le carême, ni aux messes des morts, ni aux mémoires. On peut aussi le chanter pour solenniser une célébration. Il peut être entonné par le prêtre, ou le chantre, ou même tous ensemble. Le chantre entonne le premier verset « Gloria in excelsis Deo », et l'assemblée continue le verset suivant « et in terra pax hominibus ».Chant grégorien:Le Graduel romain en donne une vingtaine, classés par messe. Le plus connu des assemblées est le Gloria VIII (dont le début est donné ci-contre), recommandé par le Jubilate Deo comme gloria de base grégorien pour toutes assemblées. Dans le répertoire grégorien, le style du Gloria est le plus souvent syllabique, mais varie d'un style psalmodique (comme le Gloria Ambrosien) à un style presque neumatique. Étant un chant d'assemblée, et relativement long, les formules de type mélismatique n'y seraient pas opportunes. Il n'y a généralement qu'un court ornement sur le « Amen » final.Le GLORIA fait partie des cinq chants principaux de l'ordinaire de la messe catholiqueKyrie Gloria Credo Sanctus (avec Benedictus) Agnus Dei
Antonio Vivaldi (1678-1741) MAGNIFICAT, R.V. 610 Antonio Lucio Vivaldi (4 mars 1678, Venise - 28 juillet 1741, Vienne) est un compositeur italien, l'un des principaux compositeurs de la période baroque.Issu d'une famille nombreuse, Antonio Vivaldi naît le jour d'un tremblement de terre. De constitution malingre, il manqua de mourir au berceau et fut baptisé en urgence le jour de sa naissance, par la sage-femme elle-même. Son père, barbier mais aussi violoniste talentueux à la basilique Saint-Marc, l'a aidé à entamer une carrière musicale et l'a fait entrer dans l'orchestre de la Cappella di San Marco, où il fut un violoniste apprécié. Il souffrait d'asthme ce qui poussa son père à le destiner à la prêtrise. Tonsuré en 1693, il devint prêtre en 1703. Il était surnommé le « prêtre roux » en raison de ses cheveux blond vénitien. Dès 1704, il fut suspendu de ses fonctions et obligations pour raisons médicales ce qui lui permit de se consacrer entièrement à la musique. Il fut aussi ainsi maître de violon à l'Ospedale della Pietà, un hospice où il enseignait à des orphelines ; cet orchestre de filles était à l'époque unique au monde et attirait beaucoup d'étrangers riches. Il travaillait aussi comme impresario pour le théâtre Sant'Angelo de Venise s'occupant des contrats et des traites. Très vite, il connut la gloire et la renommée, et devint une des premières véritables étoiles de la musique. Souvent accompagné de nombreuses jeunes filles, il fait jaser. Il bradait ses manuscrits pour le prix d'un ducat le concerto. Il vécut sa vieillesse dans la pauvreté et fut enterré par le service des pauvres de l'hôpital. Après sa mort, son œuvre tomba dans l'oubli et fut redécouverte à partir de 1913 suite aux travaux du musicologue Marc Pincherle. Ses œuvres furent rééditées à partir des années 1950. Né à Venise en mars 1678 et mort à Vienne en juillet 1741, Vivaldi est connu sous le surnom de "prêtre roux". Sa chevelure flamboyante et son ordination justifient en effet celui-ci. En 1703, Vivaldi devient "maître de violon" au sein de l'Ospedale della Pietà, fondation religieuse de grande renommée consacrée à l'éducation - essentiellement musicale - des jeunes filles sans soutien familial. Cet établissement constitue pour Vivaldi un lieu d'expérimentations d'écriture, tant pour ses concertos que pour ses oeuvres sacrées, car c'est un véritable viver d'instrumentistes et de chanteuses d'un excellent niveau musical. Le compositeur travaillera presque toute sa vie - avec différents statuts - dans cette intitution de jeunes filles, ce qui ne l'empêchera pas d'obtenir de nombreux congés pour se consacrer à sa carrière théâtrale (l'opéra) et voyager. Sa réputation sera immense de son vivant, surtout comme violoniste.
Compositeur prolixe, on compte parmi
ses œuvres : Le Magnificat désigne le cantique de la Vierge Marie dont il est question dans l'Évangile selon Luc au chapitre 1, versets 46 à 56 (visite de Marie à Elisabeth). Il est aussi appelé Cantique de Marie. C'est le premier mot de la traduction latine de ce chant de louange. Il fait partie des liturgies romaine et byzantine, et a inspiré de nombreuses œuvres musicales. Chez les protestants, seule l'Église anglicane utilise ce chant, de manière quotidienne, pour le culte du soir. Ce chant a été inspiré du cantique d'Anne, la mère du prophète Samuel. Il traduit le lien profond entre l'espérance et la foi d'Israël et celle des chrétiens. Le texte latin et sa traduction
Missa in C « Spatzenmesse » KV 220 (196b) W. A. Mozart Messe des moineaux (Spatzenmesse) de W. A. Mozart Au cours de la Messe de Minuit, la Maîtrise accompagnée par des solistes et des musiciens de l’Orchestre Philharmonique de Nice, va chanter la Messe Brève et Solennelle en Do Majeur pour solistes, chœur orchestre et orgue, « SPATZEN MESSE » KV 220 de Wolfgang Amadeus MOZART. MOZART a écrit la messe en Do Majeur KV 220 « Spatzenmesse » vers 1775, alors qu’il était Konzertmeister au service du prince archevêque de Salzbourg, Hieronimus COLLOREDO,un homme à la personnalité dure et exigeante. Les conventions en vigueur pour la musique d’église autrichienne étaient rigoureuses et MOZART en souffrait, lui qui aurait préféré ajouter des suites d’air, d’ensembles et de chœur dans le style de la cantate. « Une messe célébrée par l’archevêque, fut-elle solennelle, ne doit pas dépasser trois quart d’heure. » Ce style inhabituel de composition, à la différence de la musique religieuse italienne, requiert une certaine étude, en dépit de sa brièveté, la messe doit être exécutée par tous les instruments y compris trompettes, timbales. C’est la première messe pour laquelle Mozart respecta les exigences du Prince-Archevêque : une messe courte et solennelle, dans laquelle l’habituel trio d’église (deux violons et une basse) a été renforcé par les trompettes et timbales. Son surnom populaire de « messe des moineaux » qui lui a été donné plus tard provient du motif d’accompagnement des violons dans le Hosanna du Sanctus et du Benedictus qui rappelle le piaillement des oiseaux.
Messe brève en do majeur, « Spatzen Messe » dite « des Moineaux » (KV. 220) Quoique la date de composition de cette messe ne soit pas précisément connue, on suppose à bon droit qu'elle fut écrite pour Salzbourg durant le séjour que fit Mozart à Munich au tout début de l'année 1775. Séjour occasionné par la création d'une commande, celle de l'opéra buffa La Finta Giardiniera (donné au cours des somptueuses fêtes du Carnaval), et qui verra le triomphe d'un jeune homme de dix-neuf ans. On suppose également que ce n'est pas sans intention que Colloredo entendit rappeler à ses devoirs urbi celui qui, pour l'heure, se grisait d'impudentes libertés orbi. Et c'est, en effet, sous les dehors d'apparat d'une messe solennelle que Mozart dissimulera les consignes « collorédiennes » de concision et de brièveté, ces fameux trois quarts d'heure habituellement concédés au genre de la messe brève. Effectif: 4 voix; choeur; 2 trompettes, 3 trombones, timbales, cordes et orgue.
La Messe en ut majeur, appelée « Messe des moineaux », fut composée à l'époque où Mozart était maître de concert à la cour de Salzbourg. Ce poste qu'il occupa avec un salaire fixe à partir du 9 juillet 1772 et qu'il avait occupé les années précédentes à titre honorifique lui offrait comme compositeur les possibilités les plus diverses tout en lui lançant aussi les défis les plus variés. Durant cette période, il écrivit pour la cour beaucoup de musique instrumentale et sacrée ainsi que dramatique (la Serenata Il Sogno di Scipione et Il rè pastore). La Messe en ut majeur fut vraisemblablement écrite dans les années 1775-1776 et fait par de nombreux aspects preuve de singularité dans l'oeuvre écrite par Mozart alors à peine âgé de 20 ans. La Messe appartient au genre de la Missa brevis et solemnis largement répandu au XVIIIe siècle dans le Sud de l'Allemagne et en Autriche. La messe brève est en soi une messe abrégée et, en général, renonçant à l'emploi de parties étendues des solistes. Elle est caractérisée par une distribution réduite et n'est pas conçue pour les offices des grandes fêtes, mais pour les messes des dimanches et des jours de fête de moindre importance. Une messe solennelle est par contre caractérisée par une distribution plus importante et, surtout, par l'emploi de trompettes et de timbales aux côtés des cordes, d'autres instruments à vent pouvant être également utilisés. Elle est destinée aux grandes fêtes et est, en général, d'une longueur considérable. La messe brève et solennelle est un mélange des deux formes: Elle reprend la durée et la facture de la messe brève en utilisant la pompeuse distribution avec trompettes et timbales de la messe solennelle. La Messe en ut majeur fut la première Missa brevis et solemnis écrite par Mozart. Ceci doit être attribué à la situation alors spéciale à la cour de Salzbourg. Comme on le sait de source sûre, l'archevêque-comte Hieronymus Joseph Franz von Paula von Colloredo souhaitait que la durée de la célébration complète de l'office divin n'excédât pas trois quarts d'heure. Le type de messe correspondant de façon idéale à ce voeu était la messe brève et solennelle. Une autre particularité de l'oeuvre est la construction cyclique de la messe, un principe de composition que Mozart utilise pour la première fois lors de l'écriture de la Messe en ut majeur. Dans l'Agnus Dei («Dona nobis pacem ») Mozart reprend les motifs du Kyrie donnant ainsi à l'œuvre son unité musicale. Une troisième particularité de l'oeuvre est son caractère populaire. Il se signale à la fois par des thèmes faciles à mémoriser et par la structure musicale relativement simple. Mais il faut surtout souligner le fait que Mozart, contrairement à toutes les conventions, n'utilise aucune finesse contrapuntique. Les fugues qui, habituellement, terminent le Gloria et le Credo sont absentes. Pour compenser, Mozart joue sur la mélodique sentimentale caractérisant aussi bien les solistes que les choeurs. Par sa simplicité et son accès facile, la messe présente des points communs avec les motets Sanda Maria, mater Dei KV 573 et Alma Dei creatoris KV 277/272a écrits peu après en 1777. Les solos sont dans l'ensemble très brefs et constituent de courtes interventions dans le déroulement musical dominé essentiellement par le choeur. Les Arias sont totalement absents. Seul le Benedictus présente des aspects propres à l'aria: Il est certes écrit pour l'ensemble de solistes à quatre voix, cependant la soprano domine de manière indiscutable alors que les autres voix se contentent d'accompagner. Mozart traite l'orchestre comme une partie indépendante. Parfois, ce dernier prend la fonction de l'élément motorique musical, particulièrement dans le Gloria et le Credo où il parsème le mouvement de rythmes et de figures obstinés créant par cela unité et forme. A vrai dire, ce traitement de l'orchestre n'est pas nouveau, mais un moyen stylistique habituel dans la composition des messes lors du premier quart du XVIIIe siècle. C'est également dans la partie orchestrale que se trouve l'explication de l'appellation populaire de « Messe des Moineaux » qui se base sur plusieurs figures aux violons rappelant le chant des oiseaux (Sanctus, mesures 8 et suivantes, Benedictus, mesures 32 et suivantes). Le manuscrit autographe de la Messe en ut majeur ne nous est pas parvenu. Il se trouvait à l'origine dans un recueil contenant plusieurs messes de Mozart conservé aujourd'hui à la Staatsbibliothek de Berlin – PreuBischer Kulturbesitz. La liste des incipits écrit sur la couverture du recueil par Leopold Mozart comprend également celui de la Messe en ut majeur. Cependant, dès 1800, date à laquelle le recueil fut acquis par Johann Anton André, il ne contenait plus l'oeuvre. La source la plus importante est donc représentée par un jeu de parties intégral conservé aux Archives de la Cathédrale Saint-Pierre de Salzbourg. Il comporte quelques inscriptions de la main de Wolfgang Amadeus Mozart, ce qui confirme donc son authenticité. Un jeu de parties provenant des Archives des Kreuzherren d'Augsbourg et un autre jeu en possession du monastère de Seeon sont d'autres sources importantes.1 Mozart avait confié son manuscrit de la Messe en ut majeur aux Kreuzherren d'Augsbourg en 1777 pour qu'ils puissent en réaliser une copie. Le 20 novembre, il écrivait à son père: J'y ai laissé la Messe en fa majeur [KV 192/186f] et la première des messes brèves en ut majeur [KV 220] et l'Offertoire en contrepoint en ré mineur [KV 222/205a]. Ma cousine [Maria Anna Thekla Mozart] est la surveillante en chef. J'ai soigneusement récupéré l'Offertoire, car je l'avais exigé en premier.2 Wolfgang Amadeus et Leopold Mozart entretenaient de très bonnes relations avec Seeon. Ils séjournèrent à de nombreuses reprises au monastère, la plupart du temps en compagnie de bourgeois de Salzbourg venus rendre visite à leurs fils. On sait de source sûre que Mozart écrivit deux Offertoires pour le monastère: Scande coeli limina KV 34 et Inter natos mulierum KV 72/74f. Les liens avec Seeon furent rompus lorsque Mozart partit s'installer à Vienne en 1781, les sources conservées au monastère étant donc surtout importantes pour les débuts du compositeur.3 Le jeu de parties conservé à Salzbourg est marqué par quelques traits particuliers à la musique de la cathédrale repris aussi par la présente édition. A la cathédrale de Salzbourg, la musique était exécutée dans deux tribunes, solistes et choeur étant séparés. Chaque groupe était accompagné par un orgue ce qui explique les deux parties d'orgue: organo avec la partie d'orgue pour la tribune des solistes, partie comprenant le continuo complet avec les indications « soli » et « tutti » (lors des interventions du choeur) et organo ripieno pour la tribune du choeur ne contenant que le continuo aux voix du choeur. L'organo ripieno ne jouait donc que lorsque le choeur était sollicité. Comme il était à l'époque courant, les voix des solistes ne se contentaient pas de chanter les solos, mais aussi les parties du choeur. À Salzbourg, l'ensemble des solistes soutenait le choeur pour lequel il existe des parties propres. Elles portent l'inscription ripieno et ne comportent que les passages choraux. À Augsbourg et Seeon au contraire, les parties chantées ne sont conservées que dans une version simple, ce qui permet trois conclusions: 1. Les parties de double existant à l'origine ont été perdues par la suite. 2. Plusieurs chanteurs chantaient en utilisant la même partition. 3. La messe a été donné par un ensemble de solistes. Cette dernière variante reflètera la situation en cours dans des églises ne disposant ni des moyens financiers ni du personnel de la cathédrale de Salzbourg. Le fait que les parties instrumentales soient parvenues en un seul exemplaire dans les sources d'Augsbourg et de Seeon correspond d'ailleurs bien à cette situation. En général, à la cathédrale de Salzbourg, les parties de ténor, d'alto et de basse du choeur étaient doublées par des trombones. Le jeu de parties contient donc des parties pour trombone alto, trombone ténor et trombone basse n'ayant aucune autre fonction musicale que de soutenir les parties chantées. Leur participation n'est donc pas absolument nécessaire d'autant plus que les matériels d'exécution provenance d'Augsbourg et de Seeon ne comportent pas de parties de trombones. Il en est de même pour les parties de continuo. Alors qu'une seule partie d'orgue à partir de laquelle pouvaient théoriquement lire aussi un violoncelle et (ou) une contrebasse est présente dans les sources d'Augsbourg et de Seeon, le jeu de Salzbourg comprend une partie pour basson et une pour violon en plus des deux orgues.4 Si l'on considère que la distribution du continuo dépendait des conditions locales d'exécution, on peut renoncer à la partie de basson dans une exécution moderne car elle ne remplit pas une fonction propre dans la composition et n'est qu'une partie de continuo parmi tant d'autres. L'absence des altos n'est pas une particularité propre à Salzbourg. Elle correspond plus à une pratique en vigueur dans le sud de l'Allemagne et en Autriche consistant à ne pas utiliser l'alto dans la musique sacrée et remontant probablement au « trio d'église » constitué par deux violons et une basse de la Sonata da Chiesa, la forme de la sonate en trio en usage dans les églises. Pour les notes, voir l'avant-propos allemand. München, juin 2000 Berthold Over Traduction: Jean Paul Ménière
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Dominique Gesseney-Rappo, compositeur
suisse
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Liste
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